“动画”重定向到此处。有关其他用途，请参阅动画（拆解）。
有关其他用途，请参阅动画（拆解）。
Weare
弹跳球动画（下图）由这六帧组成。
此动画以每秒 10 帧的速度移动。
动画是一种将数字操纵为移动图像的方法。在传统动画中，图像被绘制或手工绘制在透明纤维素板上，以拍摄和在胶片上展出。今天，大多数动画都是用计算机生成的图像（CGI） 制作的。计算机动画可以是非常详细的3D动画，而2D计算机动画（可能有传统动画的外观）可用于文体原因，低带宽，或更快的实时渲染。其他常见的动画方法将停止运动技术应用于二维和三维物体，如剪纸、木偶或粘土数字。
通常，动画的效果是通过快速连续的连续图像来实现的，这些连续图像彼此差别微乎其微。幻象——就像一般的电影一样——被认为依赖于phi现象和β运动，但确切的原因仍然不确定。依靠连续图像快速显示的模拟机械动画媒体包括幻象、佐特罗佩、翻页本、普拉西诺镜和胶片。电视和视频是流行的电子动画媒体，最初是模拟的，现在以数字方式运作。为了在计算机上显示，开发了动画 GIF和Flash 动画等技术。
动画比许多人知道的更普遍。除了短片、故事片、电视连续剧、动画 GIF 等媒体专门展示动感图像外，动画在视频游戏、动作图形、用户界面和视觉效果方面也很流行。 [1]
图像部分通过简单的力学的物理运动——例如魔术灯笼中的移动图像——也可以被认为是动画。机械操纵三维木偶和物体来模仿生物在自动机中有着悠久的历史。电子自动机被迪斯尼推广为动画。
动画师是专门从事动画创作的艺术家。
内容
1 词源
2 历史
2.1 电影摄影前
2.2 沉默的时代
2.3 美国黄金时代
2.4 CGI 之前的功能
2.5 电视
2.6 从鳗鱼切换到计算机
3 经济地位
4 教育、宣传和广告
5 其他媒体、商品和主题公园
6 批评
7 奖
8 生产
9 技术
9.1 传统的
9.2 停止运动
9.3 计算机
9.4 机械
9.5 其他
10 另请参阅
11 引用
11.1 引文
11.2 来源
12 外部链接
词源
“动画”一词源于拉丁语”动画”，源于”动画”，意思是”赋予生命”。 [2]英语单词的主要含义是”活力”，其使用时间远远长于”移动图像介质”的含义。
历史
主文：动画史
电影摄影前
Nr. 10 在特伦特森斯基 – Vieweg 于 1833 年出版的斯坦普弗的频闪镜光盘的返工第二系列中。
在推出真正的动画之前几百年，来自世界各地的人们欣赏了在木偶、自动机、皮影戏和魔术灯笼中手动创作和操纵的动人人物的节目。从18世纪末到19世纪上半叶，多媒体幻象表演在西欧剧院非常流行，以动鬼和其他可怕的图像为特色，表现了逼真的影像。
投影普拉辛诺镜，从1882年，这里显示了叠加一个动画人物在单独投影的背景场景
1833年，频闪光盘（更广为人知的幻象）引入了现代动画原理，连续图像被一个接一个地显示出来，形成电影的视觉错觉。数千年来，连续图像系列偶尔会制作，但频闪光盘提供了以流畅的动作表示此类图像的第一种方法，并且首次让艺术家创作具有适当系统化动作分解的系列。频闪动画原理也应用于佐特罗佩（1866年）、翻盖书（1868年）和普拉辛诺镜（1877年）。19 世纪的平均动画包含大约 12 张图像，这些图像通过手动旋转设备作为连续循环显示。翻页本通常包含更多的图片，有一个开始和结束，但它的动画不会持续超过几秒钟。第一个创造更长序列的似乎是查尔斯-埃米尔·雷诺，他在1892年至1900年间，在长达10至15分钟的《哑剧》中取得了很大的成功。
无声时代
当电影摄影最终突破1895年后，动画图片已经知道了几十年，在新的媒体的现实细节的奇迹被视为它最大的成就。电影动画直到几年后才被光学玩具制造商商业化，色谱胶卷环（通常从真人镜头中追踪）用于改装玩具魔术灯笼，供孩子们在家里使用。动画要过几年才能进入电影院。
在电影先驱J·斯图亚特·布莱克顿、亚瑟·墨尔本-库珀、塞贡多·德·乔曼和埃德温·波特（除其他外）的早期实验之后，布莱克顿的《闹鬼酒店》（1907年）首次取得了巨大的停止动作成功，通过展示那些显然在全摄影细节中自己移动的物体，没有任何已知的舞台技巧的迹象，令观众感到困惑。
幻想（1908）由[英里科尔]
[英里科尔的幻想（1908年）是已知的最古老的例子，什么被称为传统（手绘）动画。其他伟大的艺术和非常有影响力的短片是由拉迪斯拉斯·斯塔雷维奇自1910年以来，他的木偶动画和温索尔·麦凯与详细绘制动画的电影，如小尼莫（1911年）和格蒂恐龙（1914年）。
在20世纪10年代，动画片的制作成为美国的一个产业。 [3]成功的制片人约翰·兰道夫·布雷和动画师厄尔·赫德，为主导本世纪剩余时间的动画产业的cel动画过程申请了专利。 [4][5] 费利克斯猫，谁首次亮相于1919年，成为第一个动画巨星。
美国黄金时代
1928年，以米老鼠和米妮老鼠为主角的汽船威利用同步声音普及了电影，使沃尔特·迪斯尼的工作室走在了动画产业的前沿。1932年，迪斯尼还引进了全彩（花草树木）的创新，作为与Technicolor长达三年的独家交易的一部分。
米老鼠的巨大成功被视为美国动画黄金时代的开始，将持续到20世纪60年代。美国以大量的cel动画戏剧短片主宰了世界动画市场。几个工作室将介绍人物，将变得非常受欢迎，将有长期的职业生涯， 包括沃尔特迪斯尼制作的高飞（1932年）和唐老鸭（1934年），华纳兄弟卡通的鲁尼调字符像达菲鸭（1937年），虫子兔子（1938/1940），Tweety（1941/1942），西尔维斯特猫（1945年），威尔E。 土狼和路跑者（1949），弗莱舍工作室/派拉蒙卡通工作室的贝蒂 ·布普（1930），波佩耶（1933），超人（1941） 和卡斯珀（1945），米高梅卡通工作室的汤姆和杰里 （1945） 1940） 和德鲁比，沃尔特兰茨制作/环球工作室卡通’伍迪木鸟（1940），特里通斯/20 世纪福克斯的强大的老鼠（1942） 和联合艺术家的粉红豹（1963）.
CGI之前的功能
意大利-阿根廷漫画家基里诺·克里斯蒂亚尼展示了他的讽刺人物埃尔·佩卢多（以伊里戈延总统为基础）的剪裁和清晰形象，该角色于1916年获得专利，用于实现他的电影，包括世界上第一部动画故事片《埃尔·阿佩斯托》。 [6]
1917年，意大利-阿根廷导演基里诺·克里斯蒂亚尼制作了第一部长篇故事片《埃尔·阿佩斯托》（现已失落），这部影片取得了关键的商业成功。紧随其后的是克里斯蒂亚尼的《辛德贾尔·拉斯特罗斯》，但电影首映后一天就被政府没收了。
乐天雷尼格在工作了三年之后，于1926年发布了德国功能长度的剪影动画《德普林森·阿赫迈德》，这是现现最古老的动画片。
1937年，华特迪士尼制片厂首演了他们的第一部动画片《白雪公主》和《七个小矮人》，截至2020年5月，它仍然是最受瞩头的传统动画片之一. [7][8]弗莱舍工作室在 1939 年以这个例子紧随其后， 格利弗的《旅行》取得了一些成功。部分由于第二次世界大战切断了国外市场，迪斯尼的下一部影片《皮诺奇》、《幻想曲》（1940年）和弗莱舍制片厂的第二部动画片《虫进城》（1941/1942）未能票房。几十年后，迪斯尼将是唯一一家定期制作动画片的美国制片厂，直到拉尔夫·巴克希成为第一个也发行多个功能的制片厂。沙利文-布鲁斯制片厂从1986年开始定期制作动画片《美国尾巴》。
虽然很少有标题像迪斯尼的特色那样成功，但其他国家发展了自己的动画产业，以各种风格制作短剧和特色动画，通常包括停止动作和剪裁动画技术。俄罗斯联盟电影动画工作室成立于1936年，平均每年制作20部电影（包括短片），2018年达到1，582部。中国、捷克斯洛伐克/捷克共和国、意大利、法国和比利时等国家都不止偶尔发行故事片，而日本则成为动画制作的真正强国，拥有自己可识别和有影响力的动画风格，有效限制了动画。
电视
自20世纪50年代电视机在大多数发达国家开始流行以来，动画就在电视上非常流行。卡通片主要为儿童编程，时间安排在方便的时段，尤其是美国年轻人花了很多时间观看周六早上的卡通片。许多经典动画片在小银幕上找到了新的生命，到20世纪50年代末，新动画片的制作开始从戏剧发行转向电视剧。汉娜-巴贝拉制作特别多产，并有巨大的热门系列，如弗林斯通（1960-1966年）（第一个黄金时段动画系列），史酷比杜（自1969年以来）和比利时共同制作的蓝精灵（1981-1989年）。美国电视节目的制约和对大量需求导致动画方法更便宜、更快捷，脚本更加公式化。质量下降，直到更大胆的动画出现在20世纪80年代末和90年代初与热门系列，如辛普森一家（自1989年以来）作为美国动画的”复兴”的一部分。
虽然美国动画系列在国际上也取得了成功，但许多其他国家也制作了自己的以儿童为导向的节目，相对而言，他们更喜欢停止动作和木偶戏，而不是 cel 动画。日本动漫电视剧自20世纪60年代以来在国际上非常成功， 和欧洲生产商寻找负担得起的cel动画师相对经常开始与日本制片厂合作制作，导致热门系列，如巴巴帕（荷兰/日本/法国1973-1977年），威克和死星肯·曼纳/さなバイキング ビッケ（维京维京维京）（奥地利/德国/日本1974年）和丛林书（意大利/日本1989年）。
从电脑切换到计算机
主文：计算机动画史
计算机动画从20世纪40年代开始逐步发展.3D线框动画在20世纪70年代开始出现在主流，在科幻惊悚片《未来世界》（1976年）中早期（短）出现。
《下楼的救援人员》是第一部没有相机完全以数字方式制作的专题片。 [9]它以与计算机动画制作系统（CAPS） 上的传统 cel 动画非常相似的风格制作，由华特迪士尼公司于 20 世纪 80 年代末与皮克斯合作开发。
所谓的3D风格，更经常与计算机动画有关，已经变得非常流行，因为皮克斯的玩具总动员（1995年），第一个计算机动画功能在这种风格。
大多数cel动画制片厂在20世纪90年代左右转向生产大部分电脑动画电影，因为它被证明是更便宜、更有利可图的。不仅非常流行的3D动画风格是与计算机产生的，而且大多数电影和系列具有更传统的手工制作的外观，其中cel动画的迷人特点可以模仿软件，而新的数字工具有助于开发新的风格和效果。 [10][11][12][13][14][15]
经济状态
2008年，动画市场价值684亿美元。 [16]动画故事片的毛利率最高（约52%）2004年至2013年间的所有电影类型。 [17]截至 2020 年代初，动画作为一种艺术和行业继续蓬勃发展。
教育、宣传和广告
动画的清晰性使它成为一个强大的教学工具，而其完全可塑性也允许夸张，可以用来传达强烈的情感和挫败现实。因此，它被广泛用于其他目的，而不仅仅是娱乐。
在第二次世界大战期间，动画被广泛利用进行宣传。许多美国制片厂，包括华纳兄弟和迪斯尼，借出他们的才能和他们的卡通人物来传达某些战争价值观的公众。一些国家，包括中国、日本和英国，为它们的战争努力制作了第一部长篇动画。
动画在电视广告中非常受欢迎，这既有其图形吸引力，也有它所能提供的幽默。广告中的一些动画人物已经存活了几十年，比如凯洛格谷类食品广告中的Snap、裂纹和流行。 [18]传奇动画导演Tex Avery是1966年第一个突袭”杀死虫子死亡”广告的制作人，这些广告对公司来说非常成功。 [19]
其他媒体、商品和主题公园
除了在电影院和电视连续剧中取得成功外，许多卡通人物在获得各种商品和其他媒体的许可时也会获得丰厚的利润。
动画传统上与漫画书有着非常密切的联系。虽然许多漫画人物找到了他们的方式到屏幕上（这在日本经常是这种情况，其中许多漫画被改编成动画），原来的动画人物也经常出现在漫画书和杂志。同样，视频游戏的人物和情节（交互式动画媒介）也来自电影，反之亦然。
为屏幕制作的某些原始内容可用于其他媒体并销售。故事和图像可以很容易地改编成儿童读物和其他印刷媒体。歌曲和音乐已经出现在唱片和流媒体上。
虽然很多动画公司在移动图像媒体之外商业上利用他们的作品，但华特迪士尼公司是最著名和最极端的例子。自1929年首次获得儿童写作平板电脑的许可以来，他们的米老鼠吉祥物被描绘在大量的产品上，就像许多其他迪斯尼人物一样。这可能影响了米奇名字的一些贬义使用，但许可的迪斯尼产品卖得很好，所谓的迪斯尼纳有许多狂热的收藏家，甚至一个专门的迪斯尼粉丝俱乐部（自1984年以来）。
迪士尼乐园于1955年开业，许多景点都以迪斯尼的卡通人物为基础。它的巨大成功催生了其他几个迪斯尼主题公园和度假村。迪斯尼从主题公园获得的收入往往高于电影收入。
批评
自动画诞生以来，对动画的批评在媒体和电影中很常见。随着它的普及，出现了大量的批评，特别是动画故事片。 [20]围绕动画产业，人们开始关注文化代表性、对儿童的心理影响，自它进入主流文化以来，动画产业在政治上一直相当不变，停滞不前。 [21]
奖项
主文：动画工作室 • 美国工作室
与任何其他形式的媒体一样，动画也获得了该领域的卓越奖。最初的动画奖由美国电影艺术与科学学院颁发，以表彰1932年在第五届奥斯卡颁奖典礼上颁发的动画短片。奥斯卡奖得主是短片《花树》，[22]是沃尔特·迪斯尼制作公司制作的。 [23][24]奥斯卡动画电影奖仅于2001年设立，并在2002年第74届奥斯卡颁奖典礼上颁发。它是由电影史莱克，由梦工厂和太平洋数据图像制作。 [25] 迪斯尼动画和皮克斯制作的电影最多，无论是获奖还是获得提名。 《美女与野兽》是第一部获得最佳影片提名的动画电影。在学院将提名人数从5人增加到10人之后，《向上》和《玩具总动员3》也获得了最佳影片提名。
奥斯卡最佳动画功能奖
奥斯卡最佳动画短片奖
其他几个国家已经设立最佳动画故事片奖，作为其国家电影奖的一部分：非洲电影学院最佳动画奖（自2008年以来）、BAFTA最佳动画电影奖（自2006年以来）、塞萨尔最佳动画电影奖（自2 011）、金鸡奖最佳动画奖（自1981年以来）、戈雅最佳动画电影奖（自1989年以来）、日本年度动画学院奖（自2007年以来）、国家最佳动画电影奖（自2006年起）。此外，自二00七年起，亚太银幕最佳动画故事片奖亦在亚太银幕奖颁奖典礼上颁发。自2009年以来，欧洲电影奖已颁发欧洲电影奖最佳动画电影奖。
安妮奖是动画领域杰出成就奖。与奥斯卡奖不同，安妮奖只因动画领域的成就而获得，而不是为任何其他技术和艺术领域而获得。它们于1992年重新组织，为最佳动画功能创造了一个新的领域。20世纪90年代的获奖者由沃尔特·迪斯尼主导：然而，由皮克斯和梦工厂领导的较新的工作室现在开始不断争夺这个奖项。获奖者名单如下：
安妮最佳动画功能奖
安妮奖最佳动画短片
安妮最佳动画电视制作奖
生产
File:Joy & Heron – Animated CGI Spot by Passion Pictures.webm
欢乐与赫伦– 特色视频
非平凡的动画作品（即超过几秒钟）的创作已经发展成为一种电影制作形式，具有某些独特的方面。 [26]真人电影和动画故事片共同的特点是劳动强度和高昂的制作成本。 [27]
最重要的区别是，一旦一部电影进入制作阶段，动画电影的边际成本就高于真人秀电影。 [28]导演在拍摄真人秀电影时要求多拍一部相对容易，但动画片的每一部都必须由动画师手动渲染（尽管现代计算机动画减少了渲染略有不同的镜头的任务）。 [29]如果该场景不能有效地推进电影的情节，制片厂支付数十名动画师的薪水，花费数周时间创作出令人眼花缭乱的五分钟场景是毫无意义的。 [30]因此，从迪斯尼开始的动画工作室在20世纪30年代开始维持故事部门的做法，故事板艺术家通过情节提要开发每一个场景，然后只有在制作团队确信所有场景都有意义之后，才将电影交给动画师。 [31]虽然真人秀电影现在也是故事板，但他们享有更多的自由度，远离情节提要（即实时即兴表演）。 [32]
Another problem unique to animation is the requirement to maintain a film’s consistency from start to finish, even as films have grown longer and teams have grown larger. Animators, like all artists, necessarily have individual styles, but must subordinate their individuality in a consistent way to whatever style is employed on a particular film.[33] Since the early 1980s, teams of about 500 to 600 people, of whom 50 to 70 are animators, typically have created feature-length animated films. It is relatively easy for two or three artists to match their styles; synchronizing those of dozens of artists is more difficult.[34]
This problem is usually solved by having a separate group of visual development artists develop an overall look and palette for each film before the animation begins. Character designers on the visual development team draw model sheets to show how each character should look like with different facial expressions, posed in different positions, and viewed from different angles.[35][36] On traditionally animated projects, maquettes were often sculpted to further help the animators see how characters would look from different angles.[37][35]
Unlike live-action films, animated films were traditionally developed beyond the synopsis stage through the storyboard format; the storyboard artists would then receive credit for writing the film.[38] In the early 1960s, animation studios began hiring professional screenwriters to write screenplays (while also continuing to use story departments) and screenplays had become commonplace for animated films by the late 1980s.
Techniques
Traditional
Main article: Traditional animation
An example of traditional animation, a horse animated by rotoscoping from Eadweard Muybridge’s 19th-century photos.
Traditional animation (also called cel animation or hand-drawn animation) was the process used for most animated films of the 20th century.[39] The individual frames of a traditionally animated film are photographs of drawings, first drawn on paper.[40] To create the illusion of movement, each drawing differs slightly from the one before it. The animators’ drawings are traced or photocopied onto transparent acetate sheets called cels,[41] which are filled in with paints in assigned colors or tones on the side opposite the line drawings.[42] The completed character cels are photographed one-by-one against a painted background by a rostrum camera onto motion picture film.[43]
The traditional cel animation process became obsolete by the beginning of the 21st century. Today, animators’ drawings and the backgrounds are either scanned into or drawn directly into a computer system.[1][44] Various software programs are used to color the drawings and simulate camera movement and effects.[45] The final animated piece is output to one of several delivery media, including traditional 35 mm film and newer media with digital video.[46][1] The “look” of traditional cel animation is still preserved, and the character animators’ work has remained essentially the same over the past 70 years.[37] Some animation producers have used the term “tradigital” (a play on the words “traditional” and “digital”) to describe cel animation that uses significant computer technology.
Examples of traditionally animated feature films include Pinocchio (United States, 1940),[47] Animal Farm (United Kingdom, 1954), Lucky and Zorba (Italy, 1998), and The Illusionist (British-French, 2010). Traditionally animated films produced with the aid of computer technology include The Lion King (US, 1994), The Prince of Egypt (US, 1998), Akira (Japan, 1988),[48] Spirited Away (Japan, 2001), The Triplets of Belleville (France, 2003), and The Secret of Kells (Irish-French-Belgian, 2009).
Full
Full animation refers to the process of producing high-quality traditionally animated films that regularly use detailed drawings and plausible movement,[49] having a smooth animation.[50] Fully animated films can be made in a variety of styles, from more realistically animated works like those produced by the Walt Disney studio (The Little Mermaid, Beauty and the Beast, Aladdin, The Lion King) to the more ‘cartoon’ styles of the Warner Bros. animation studio. Many of the Disney animated features are examples of full animation, as are non-Disney works, The Secret of NIMH (US, 1982), The Iron Giant (US, 1999), and Nocturna (Spain, 2007). Fully animated films are animated at 24 frames per second, with a combination of animation on ones and twos, meaning that drawings can be held for one frame out of 24 or two frames out of 24.[51]
Limited
Main article: Limited animation
Limited animation involves the use of less detailed or more stylized drawings and methods of movement usually a choppy or “skippy” movement animation.[52] Limited animation uses fewer drawings per second, thereby limiting the fluidity of the animation. This is a more economic technique. Pioneered by the artists at the American studio United Productions of America,[53] limited animation can be used as a method of stylized artistic expression, as in Gerald McBoing-Boing (US, 1951), Yellow Submarine (UK, 1968), and certain anime produced in Japan.[54] Its primary use, however, has been in producing cost-effective animated content for media for television (the work of Hanna-Barbera,[55] Filmation,[56] and other TV animation studios[57]) and later the Internet (web cartoons).
Rotoscoping
Main article: Rotoscoping
Rotoscoping is a technique patented by Max Fleischer in 1917 where animators trace live-action movement, frame by frame.[58] The source film can be directly copied from actors’ outlines into animated drawings,[59] as in The Lord of the Rings (US, 1978), or used in a stylized and expressive manner, as in Waking Life (US, 2001) and A Scanner Darkly (US, 2006). Some other examples are Fire and Ice (US, 1983), Heavy Metal (1981), and Aku no Hana (Japan, 2013).
Live-action blending
Main article: Films with live action and animation
Live-action/animation is a technique combining hand-drawn characters into live action shots or live-action actors into animated shots.[60] One of the earlier uses was in Koko the Clown when Koko was drawn over live-action footage.[61] Walt Disney and Ub Iwerks created a series of Alice Comedies (1923–1927), in which a live-action girl enters an animated world. Other examples include Allegro Non Troppo (Italy, 1976), Who Framed Roger Rabbit (US, 1988), Volere volare (Italy 1991), Space Jam (US, 1996) and Osmosis Jones (US, 2001).
Stop motion
Main article: Stop motion
Stop-motion animation is used to describe animation created by physically manipulating real-world objects and photographing them one frame of film at a time to create the illusion of movement.[62] There are many different types of stop-motion animation, usually named after the medium used to create the animation.[63] Computer software is widely available to create this type of animation; traditional stop-motion animation is usually less expensive but more time-consuming to produce than current computer animation.[63]
Puppet animation typically involves stop-motion puppet figures interacting in a constructed environment, in contrast to real-world interaction in model animation.[64] The puppets generally have an armature inside of them to keep them still and steady to constrain their motion to particular joints.[65] Examples include The Tale of the Fox (France, 1937), The Nightmare Before Christmas (US, 1993), Corpse Bride (US, 2005), Coraline (US, 2009), the films of Jiří Trnka and the adult animated sketch-comedy television series Robot Chicken (US, 2005–present).
Puppetoon, created using techniques developed by George Pal,[66] are puppet-animated films that typically use a different version of a puppet for different frames, rather than simply manipulating one existing puppet.[67]
A clay animation scene from a Finnish television commercial
Clay animation, or Plasticine animation (often called claymation, which, however, is a trademarked name), uses figures made of clay or a similar malleable material to create stop-motion animation.[62][68] The figures may have an armature or wire frame inside, similar to the related puppet animation (below), that can be manipulated to pose the figures.[69] Alternatively, the figures may be made entirely of clay, in the films of Bruce Bickford, where clay creatures morph into a variety of different shapes. Examples of clay-animated works include The Gumby Show (US, 1957–1967), Mio Mao (Italy, 1974–2005), Morph shorts (UK, 1977–2000), Wallace and Gromit shorts (UK, as of 1989), Jan Švankmajer’s Dimensions of Dialogue (Czechoslovakia, 1982), The Trap Door (UK, 1984). Films include Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit, Chicken Run and The Adventures of Mark Twain.[70]
Strata-cut animation, Strata-cut animation is most commonly a form of clay animation in which a long bread-like “loaf” of clay, internally packed tight and loaded with varying imagery, is sliced into thin sheets, with the animation camera taking a frame of the end of the loaf for each cut, eventually revealing the movement of the internal images within.[71]
Cutout animation is a type of stop-motion animation produced by moving two-dimensional pieces of material paper or cloth.[72] Examples include Terry Gilliam’s animated sequences from Monty Python’s Flying Circus (UK, 1969–1974); Fantastic Planet (France/Czechoslovakia, 1973); Tale of Tales (Russia, 1979), The pilot episode of the adult television sitcom series (and sometimes in episodes) of South Park (US, 1997) and the music video Live for the moment, from Verona Riots band (produced by Alberto Serrano and Nívola Uyá, Spain 2014).
Silhouette animation is a variant of cutout animation in which the characters are backlit and only visible as silhouettes.[73] Examples include The Adventures of Prince Achmed (Weimar Republic, 1926) and Princes et Princesses (France, 2000).
Model animation refers to stop-motion animation created to interact with and exist as a part of a live-action world.[74] Intercutting, matte effects and split screens are often employed to blend stop-motion characters or objects with live actors and settings.[75] Examples include the work of Ray Harryhausen, as seen in films, Jason and the Argonauts (1963),[76] and the work of Willis H. O’Brien on films, King Kong (1933).
Go motion is a variant of model animation that uses various techniques to create motion blur between frames of film, which is not present in traditional stop motion.[77] The technique was invented by Industrial Light & Magic and Phil Tippett to create special effect scenes for the film The Empire Strikes Back (1980).[78] Another example is the dragon named “Vermithrax” from 1981 film Dragonslayer.[79]
Object animation refers to the use of regular inanimate objects in stop-motion animation, as opposed to specially created items.[80]
Graphic animation uses non-drawn flat visual graphic material (photographs, newspaper clippings, magazines, etc.), which are sometimes manipulated frame by frame to create movement.[81] At other times, the graphics remain stationary, while the stop-motion camera is moved to create on-screen action.
Brickfilm are a subgenre of object animation involving using Lego or other similar brick toys to make an animation.[82][83] These have had a recent boost in popularity with the advent of video sharing sites, YouTube and the availability of cheap cameras and animation software.[84]
Pixilation involves the use of live humans as stop-motion characters.[85] This allows for a number of surreal effects, including disappearances and reappearances, allowing people to appear to slide across the ground, and other effects.[85] Examples of pixilation include The Secret Adventures of Tom Thumb and Angry Kid shorts, and the Academy Award-winning Neighbours by Norman McLaren.
Computer
Main article: Computer animation
Computer animation encompasses a variety of techniques, the unifying factor being that the animation is created digitally on a computer.[45][86] 2D animation techniques tend to focus on image manipulation while 3D techniques usually build virtual worlds in which characters and objects move and interact.[87] 3D animation can create images that seem real to the viewer.[88]
2D
Main article: 2D computer graphics
A 2D animation of two circles joined by a chain
2D animation figures are created or edited on the computer using 2D bitmap graphics and 2D vector graphics.[89] This includes automated computerized versions of traditional animation techniques, interpolated morphing,[90] onion skinning[91] and interpolated rotoscoping.
2D animation has many applications, including analog computer animation, Flash animation, and PowerPoint animation. Cinemagraphs are still photographs in the form of an animated GIF file of which part is animated.[92]
Final line advection animation is a technique used in 2D animation,[93] to give artists and animators more influence and control over the final product as everything is done within the same department.[94] Speaking about using this approach in Paperman, John Kahrs said that “Our animators can change things, actually erase away the CG underlayer if they want, and change the profile of the arm.”[95]
3D
Main articles: Computer animation and 3D computer graphics
3D animation is digitally modeled and manipulated by an animator. The 3D model maker usually starts by creating a 3D polygon mesh for the animator to manipulate.[96] A mesh typically includes many vertices that are connected by edges and faces, which give the visual appearance of form to a 3D object or 3D environment.[96] Sometimes, the mesh is given an internal digital skeletal structure called an armature that can be used to control the mesh by weighting the vertices.[97][98] This process is called rigging and can be used in conjunction with key frames to create movement.[99]
Other techniques can be applied, mathematical functions (e.g., gravity, particle simulations), simulated fur or hair, and effects, fire and water simulations.[100] These techniques fall under the category of 3D dynamics.[101]
Terms
Cel-shaded animation is used to mimic traditional animation using computer software.[102] Shading looks stark, with less blending of colors. Examples include Skyland (2007, France), The Iron Giant (1999, United States), Futurama (1999, United States) Appleseed Ex Machina (2007, Japan), The Legend of Zelda: The Wind Waker (2002, Japan), The Legend of Zelda: Breath of the Wild (2017, Japan)
Machinima – Films created by screen capturing in video games and virtual worlds. The term originated from the software introduction in the 1980s demoscene, as well as the 1990s recordings of the first-person shooter video game Quake.
Motion capture is used when live-action actors wear special suits that allow computers to copy their movements into CG characters.[103][104] Examples include Polar Express (2004, US), Beowulf (2007, US), A Christmas Carol (2009, US), The Adventures of Tintin (2011, US) kochadiiyan (2014, India)
Computer animation is used primarily for animation that attempts to resemble real life, using advanced rendering that mimics in detail skin, plants, water, fire, clouds, etc.[105] Examples include Up (2009, US), How to Train Your Dragon (2010, US)
Physically based animation is animation using computer simulations.[106]
Mechanical
Animatronics is the use of mechatronics to create machines that seem animate rather than robotic.
音频动画和自动动画是机器人动画的一种形式，结合3D动画，由沃尔特·迪斯尼想象在迪斯尼主题公园的表演和景点移动和制造噪音（通常是录制的演讲或歌曲）。 [107]它们固定在任何支持它们的地方。他们可以坐着站着，不能走路。音频动画机器人不同于机器人类型的机器人，因为它使用预先录制的动作和声音，而不是对外部刺激做出响应。2009年，迪斯尼创造了一个名为”自主制造”的互动版技术。 [108]
线性动画生成器是一种动画形式，使用安装在隧道或轴中的静态相框。动画错觉通过将观看者置于线性运动中而创建，与安装的相框平行。 [109]这个概念和技术解决方案是由罗马尼亚的米哈伊·吉洛万于2007年发明的。
查克形象是电视连续剧《立即行动联盟》的制作人制作的一种动画，在动画中，人物/道具被扔出，或者从相机上扔下来，或者晃来晃去，用看不见的手模拟说话。 [110]
魔法灯笼使用机械滑梯投影移动图像，可能是自克里斯蒂亚安·惠更斯于1659年发明了这种早期的图像投影仪以来。
其他
迪士尼加州冒险的彩色水技术世界使用1，200个喷泉在雾屏上进行高清投影，营造出运动的错觉。
水力技术：一种包括灯光、水、火、雾和激光的技术，在雾屏上具有高清投影。
以电影动画为素材：一种通过直接在胶片库存上制作图像来制作素材的技术：例如，由诺曼·麦克拉伦，[111]伦·莱和斯坦·布拉哈奇。
玻璃上油漆动画：一种通过操纵玻璃板上缓慢干燥的油漆来制作动画电影的技术，[112]，例如亚历山大·彼得罗夫。
擦除动画：一种使用传统 2D 介质的技术，随着时间推时间推时间的推拉，艺术家操纵图像。例如，威廉·肯特里奇以他的木炭擦除电影[113]和皮奥特·杜马尼亚的石膏上动画划痕的技巧而闻名。
Pinscreen 动画：使用充满可移动引脚的屏幕，这些引脚可以通过将对象按到屏幕上而移入或移出。 [114]屏幕从侧面亮起，使引脚投下阴影。该技术已用于制作具有一系列难以用传统 cel 动画实现的纹理效果的动画电影。 [115]
沙子动画：沙子在背光或前灯玻璃上移动，为动画电影创建每个帧。 [116]这创造了一个有趣的效果，当动画，因为光对比。 [117]
翻页本：翻页本（有时，特别是英国英语，称为电影书）是一本具有一系列图片的书，从一页到另一页逐渐变化，因此当页面快速转动时，图片似乎通过模拟运动或其他一些变化来动画化。 [118][119]翻转书通常是儿童插图书籍，[120]它们也面向成人，并采用一系列照片而不是图纸。翻页书并不总是单独的书，它们出现在普通书籍或杂志的附加功能，往往在页面角落。 [118]软件包和网站也可用，可将数字视频文件转换为定制翻页簿。 [121]
字符动画
多素描
特效动画
另请参阅
icon 动画门户
动画的十二项基本原则
动画战争电影
动画部
动画系列
建筑动画
阿瓦尔
独立动画
国际动画日
国际动画电影协会
国际动画之旅
与电影相关的主题列表
运动图形设计
动画研究协会
线框模型
引用
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外部链接