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在本课程中，我们使用与艺术相关的术语。本文档将帮助您熟悉艺术元素以及艺术词汇，因此，下次您遇到一些艺术词典时，您将了解各种艺术表达的含义。
我们如何分析艺术？
美术是可以衡量和分析的，尽管有些人试图说服我们美术对于这件事来说太短暂了。
当我们试图了解自己喜欢什么以及为什么喜欢它时，任何一件艺术品都有或多或少的客观标准可以考虑。相反，能够制定和描述为什么我们发现一件艺术品没有真正成功的原因。
就一幅画具有物理存在-身体而言，我们可以使用普遍的，几百年不变的和谐规则来分析它。
总体而言，视觉艺术，尤其是绘画，可以像音乐或建筑学之类的其他文科艺术一样进行测量和分析。我们分析了它们的元素以及它们的和谐程度。在音乐中，有音乐符号，和声和作曲规则。在“古典建筑”中–存在建筑类型学，古典秩序，形式理论，形式感知，空间规划和其他可以分析分解的标准。
视觉艺术，尤其是绘画，也包含其元素。一旦知道了元素是什么，就可以在创作艺术时有效地实际使用它们，或者在分析自己的艺术品时从理论上有效地使用它们。这些知识还拓宽了您的艺术视野，让您分析其他艺术家的作品，尤其是古代大师的作品。了解了古代大师画作的真正品质之后，我们将能够进行深入挖掘，而不仅仅是诸如“我喜欢它，因为我喜欢它”之类的简单解释。“里面有东西。” “它感动了我，启发了我；是的，角色的表情很可爱。”
您必须能够解释为什么喜欢或不喜欢它，而给您留下深刻印象的是刻板印象而已。这是一种专业方法。
下文所述的所有艺术元素将帮助您了解它们在艺术创作中是否得到了有效利用，哪些元素被忽略或使用了一半。
那么，什么是艺术元素？
让我们从将在Old Masters Academy™课程中使用的基本艺术元素开始
12种艺术元素
涉及颜色的元素：
1.颜色（或色相）
2.色调（或值）
3.强度（或饱和度）
归因于物理/材料方面的元素：
4.线
5.形状和形式
6.空间和体积
7.纹理
归因于构造的元素：
8.组成
9.方向
10.大小
11.时间和运动
12.对比度
涉及颜色的元素
颜色是绘画的基本元素。每种颜色都有3个主要特征：颜色，色调和强度。
1.颜色或色相
“色相”和“颜色”这两个术语可以互换使用。但是，它们的含义有所不同。
当我们谈论颜色时，例如黄色，红色，蓝色和橙色，绿色，紫色–我们在谈论色相。
色相是纯色，固有色。没有添加白色（否则我们将其称为“色调”）；或不添加任何黑色（否则我们将其称为“阴影”）。
虽然“颜色”一词被广泛地用于描述色调的细微差别，例如“ phistashkoes green”或“ cool brown”。
您可能还会听到“本地颜色”一词，有时也可以称为“感知颜色”。这是关于在物体或人身上看到的实际颜色的信息。
2.语气或价值。色彩和阴影，还有亮度，光度。
您可以使用“色调”和“值”这两个术语来描述相对的明暗程度，而无需考虑色相。颜色的色调/值正在从该特定颜色的最亮到最暗的色调变化。
当您通过添加白色增加颜色的亮度时，我们将这种混合物称为色调。
相反，当我们想通过添加黑色来使颜色变暗时，这种混合称为“阴影”。
因此，可以通过两种方式更改任何颜色的色调/值：
- 通过对颜色进行着色或着色；
- 通过在薄玻璃层中应用颜色。
- 这两种方式可以成功组合。
着色和底纹各有优缺点。当初学者添加白色使颜色变浅或添加黑色使颜色变暗时，这尤其常见。这种方法的结果通常不是那么美，而是装饰性的和人工的。
但是，在我们希望将“底涂”用作绘画的初始步骤之一的情况下，完全适合使用“着色”。用白色变浅的颜色可能会导致混合向偏冷的颜色转变，这正是我们对底漆的期望。
3.强度或饱和度，以及色度或色度。
强度从字面上暗示着色彩是多么强烈，丰富，深刻，充满活力和生动。通过利用原色和副色以及它们之间如何相互作用的知识（整个视频课程都专门针对该主题），您将能够抵消或减弱任何过亮的颜色而不会失去其鲜艳的色彩。
在任何明亮的颜色（着色）中添加白色会杀死该颜色的强度，从而使颜色变暗和浑浊。
强度强调颜色的纯度或强度。鲜艳的色彩通常与正能量和情绪高涨有关。
上釉的方法可以有效地用于将强度增加到其最大潜力。
归因于物理/材料方面的元素
4.线
线条可以用画笔绘制，也可以形成两个绘制区域之间的分隔线。绘画中的线条可能是一种非常令人印象深刻的视觉语言。但是，在整个板上应用时，它可以使绘画看起来平整且具有装饰性。
我们需要在这里提到两种类型的行：
- 概述
- 等高线
尽管许多艺术家可以互换使用这些术语，但是这两个词的含义存在根本差异。
轮廓是对象的可见（通常是外部）边缘，可以概述其形状。这样的轮廓是由在对象的可见部分和不可见部分之间的边缘处弯曲的表面形成的。简而言之，轮廓是围绕形状或对象的线。
轮廓线是通过在任意角度和位置将对象与平面相交而形成的虚拟线。这样，可以在该对象的任何给定位置找到任意数量的轮廓。在描述对象的三维形状时，轮廓非常重要。通常，沿轮廓线应用铅笔或笔触并通过轮廓线分隔不同的颜色有助于描述对象的形状和形状。
在中世纪绘画中，艺术家将轮廓画成规则的等宽线条。在文艺复兴时期，莱昂纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci）是最早通过绘画更多“流体”轮廓来改变这种方法的艺术家之一，这些轮廓从发音清晰的边缘到弥散的柔和的线条而变化。后来，更加强调轮廓。例如，在威猛（Vermeer）和卡拉瓦乔（Caravaggio）的绘画中，颜色与明暗之间的轮廓起着重要作用。轮廓和轮廓都是视觉艺术的重要元素。
5.形状和形式
Shape和Form均定义对象。它们可以是几何的或有机的，人造的或天然的。为了描述任何给定的对象，艺术家描绘了它们的形状和形式。
形状和形式具有相似的含义；唯一的区别是Shape具有两个维度（高度和宽度），而Form存在三个维度（高度，宽度和深度）。
6.空间或体积
所有物体都位于空间中，并具有其体积和空间位置。当在画布的二维表面上描绘空间中排列的三维对象时，艺术家会采用各种方法，例如线性和空中透视，并使用色调值和颜色来描述对象的体积和位置。
例如，白色球体的体积和空间位置可以在艺术品中通过浅色，中间色调和深色值的渐变以及放置在该球体表面上的阴影来描述。
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使用线性和空中透视规则描述对象的空间布置。线性透视基于几何规则，并处理对象的透视，相对大小和位置；空中透视图则描述了地球大气如何影响物体的外观并有助于描绘景深。
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7.质地
任何物体都有其物理纹理。为了真实地描绘物体，艺术家必须描绘其在现实生活中的外观和感觉，其中包括其具有的纹理–光滑，光滑，柔软，蓬松，粗糙，油腻和毛发等等。当绘画一个人时，画家可以描述这个人是否有年轻的皮肤或干燥而皱纹的皮肤。色彩混合，一种应用方法，一种底漆和选择的介质都在表面纹理的描绘中起着重要作用。
归因于构造的元素
8.组成
术语“组合”是指“拼在一起”。这是所有视觉元素作为一件艺术品一起工作的方式。绘画中的构图结合了上述所有元素，并传达了线条，形状和形式如何相互关联，如何使用透视和色调值构造空间和体积，如何将颜色与色调一起使用以及如何引入纹理。
构图是艺术中最重要的元素之一。它有其规则，并且知道并应用这些规则，艺术家可以将观众的目光引向焦点，在其作品中讲述故事，确保艺术品看起来平衡，匀称且令人愉悦。 。使用构图规则，艺术家可以组织艺术品的组成部分，赋予艺术品以统一性和完整性，并在观众中激发情感。
9.方向
在艺术品中，方向通常与线条相关。线可以是直的，弯曲的，间断的，但在每种情况下都具有一定的方向-垂直，水平，对角线或圆形。
带有对角线的图稿看起来会更有活力，而垂直或水平的直线则意味着外观更稳定。
弯曲或线性方向引导观众凝视，艺术家可以使用它来引导作品的焦点。
在写作从左到右的文化中，从左下角到右上角的对角线被认为是上升的，而从左上角到右下角的线被认为是下降的。向上的方向通常与乐观的情绪相关，而对于具有向下的方向的艺术品则相反。
10.时间和运动
时间和运动与观看者对画作的感知和观看方式相关。
您是否知道，博物馆中的参观者平均花费在观看任何给定的画上的时间不超过20秒？
艺术家可以根据构图决策，引导观众看到绘画中的哪些部分需要更长的时间，以及哪些部分可以更快地跳过。
运动也是如此。艺术家可以使用对象和线条的移动来“引导”观众观看绘画。在绘画中，它可以被描绘为正在移动的事物，例如火车，飞翔的鸟或步行的人，并且观看者自然会用他的眼睛跟随这种运动，或者绘画的构图可能具有一些定向线，可以引导观看者的视线在某些方向上移动得更快或更慢。
11.尺寸
尺寸不仅与艺术品的尺寸有关，而且与绘画中描绘的物体之间的相对比例以及物体之间的间隙有关。均衡的构图很大程度上取决于形式和体积的相对大小，以及具有相似色调值和颜色的形状的大小。如何使用大小和比例进行构图有很多规则，例如，确保对象之间的间隙大小有所变化，以使艺术品更悦目。
12.对比
对比是艺术品中不同元素的并置。对比度可以在颜色，色调值，大小，纹理，方向和运动之间。因此，简单来说，对比度是暗值和亮值，大小大小，粗线和细线，平滑线和粗糙纹理，主线方向不同等之间的差异。
对比度是一种非常有效的合成工具。高对比度将注意力吸引到特定区域，并在艺术品中产生更加生动的感觉。
艺术词汇
这是Old Masters Academy™课程中使用的油画技术词汇：
1.彩膜
2.底涂
3.素描草图
4.
遮盖5.底涂和底釉
6.死色或单色底漆（Grisaille）
7.上釉
8.破烂
9. Velaturas
10.浊度中等效果
11.瘦身脂肪
12 。Pentimenti
13.涂油
14. Alla Prima
1. Imprimatura
Imprimatura一词来自意大利语“ imprimatura”，意为第一层油漆。它是涂在白色底漆画布上的有色层。
尽管完全有可能直接在白色画布上开始用油画，但使用灰白色背景会更好。您可以将imprimatura层用作非常薄且透明的油漆涂层。重要的是要注意这一层必须是透明的，这样白色画布才能通过它发光。如果您使用非透明层，则该层将不再是硬膜，而是彩色背景。
通常，对于大师级大师，使用温暖的大地色系，例如，用白精或松节油稀释的烧焦锡耶纳，用刷子在画布上均匀，平滑或不规则地用可见的笔触涂抹。
初生透明性在大师的绘画方法中起着重要的作用。通过透明和半透明涂料层显示的白色画布参与了绘画的整体色调和彩色外观。
Imprimatura不仅可以应用于白色画布，还可以应用于底色较深的画布。
以下是一些古代大师使用理由的示例：
- Veronese涂在浅灰色和浅蓝色的地面上。
- 提香（Titian）在他的职业生涯初期就使用了白色帆布，但后来开始用透明的红色白膜覆盖白色底漆。后来，他更喜欢使用深色中性色膜。
- Tintoretto偏爱使用深色或灰色的地面。
- 鲁本斯在白色画布上以及浅灰色和深灰色的地面上创作画作。该大师的一些未完成的作品在白色画布上显示出浅灰色的边缘。
- 伦勃朗当时在白色画布上绘画，上面涂着透明的金棕色底漆，但后来他的职业转向了灰色地基和深色漆皮，并使用了透明的暗棕色底漆。
- 格雷科（El Greco）偏爱在白色底纹上做底涂，然后用棕色的白皮草（Burnt Umber）覆盖，因此可以通过白皮底草看到白色的底皮。最重要的是，他使用白色涂料在灯光和中光中对表格进行建模，从而产生了珍珠灰色效果，而通过在调色板上混合涂料则无法实现这种效果。
2.提款不足
底画是在绘画场上绘制的初始图。可以用刷子或钢笔绘制该图，然后再涂一点彩笔或底漆。
像扬·范·艾克（Jan van Eyck）和罗吉尔·范·德·韦登（Rogier van der Weyden）这样的15世纪艺术家广泛使用了缩图。通常，他们会使用水性黑色涂料刷“画底线”，并使用阴影线阴影。他们在这种快干的底图上涂了油。
尽管油漆可以不透明地覆盖下面的任何图形，但建议不要直接在油漆地面上而是在纸上绘制预备草图，并根据需要进行多次更改和重新绘制，并在准备好构图时转移这样的草图。在画地上素描。这将保护要被边缘植物覆盖的画布的白度。
详细而精确的缩图是北方文艺复兴时期大师们的“签名”方法。当时佛罗伦萨的艺术家也广泛使用它。
3.画素描
在绘画场地上绘制草图是一种进行底画的更具印象派的方法。这样的草图可以由一种颜色的轮廓组成，甚至可以包括被颜色阻塞的构图的某些区域。威尼斯文艺复兴时期的大师们经常使用这种画底图的方法。
4.封锁
当某些设计区域被一种或几种颜色的涂料覆盖时，粘连是在油中制备组合物的初始步骤的方法。它不只是绘制带有轮廓的简单底图。通过封闭，可以用油漆覆盖整个设计区域。虽然从技术上讲它仍是“用画笔绘制”，但它也是实际“绘制”比例，色调值和构图颜色的第一步。
5.底漆和上釉
底漆或上釉是实际绘画的第一步。顾名思义，底涂是指将被较厚或不透明的油漆顶层覆盖的绘画层。而“玻璃窗”的名称表示该层已涂漆，以准备将透明玻璃窗放在上面。
Titian在高文艺复兴时期率先提出并掌握了使用底漆和上光玻璃的多层绘画技术。
故意将底漆（尤其是上光玻璃）涂成比最终设计要浅的色调。当透明和半透明的涂料层使涂料显得更暗时，这是为了适应色调的变化。
由于底漆覆盖有半透明和不透明的油漆，因此该层的颜色并不重要。顶层（称为“底漆”）将覆盖底漆并对其进行色校正。这就是为什么旧大师会在温暖的大地色中涂上底漆，然后为以后的步骤保留冷色和蓝色。
对于底玻璃，颜色的选择是经过精心计划的，因此底玻璃和玻璃层的颜色的光学混合将产生期望的效果。
底漆或上光釉可以涂成一种颜色，也可以涂成多种颜色。
正确完成的底漆或上光会影响整个喷涂过程。如果美术师发现面漆必须打磨并覆盖下层，则很明显地表明下层不能发挥预期的作用。
6.死色或单色底漆（Grisaille）
死色是使用中性色执行的底漆或上釉。油画中死色的主要目的是通过描绘对象的色调值以及画中的明暗区域之间的关系来建立形式。
死色对于大师绘画方法非常重要。在Hertogenbosch行会规则中甚至将其描述为强制性的绘画步骤，可追溯到1546年。
古代大师经常进行单色（单色）或消色（黑白）死色。单色底漆有另一个名称-grisaille，表示以灰色阴影绘画。
除灰泥外，旧大师还使用各种颜色作死色-蓝色，绿色，棕色和这些颜色的混合。没有温暖的色彩，人肉的外观就无法存活，因此可能就是死色。
死色（底漆或上光釉）的色调要比完成的绘画要浅，以便通过在顶部涂上底漆和釉料来进一步加深色调。
7.玻璃
上光是一种在非常薄的透明油漆层中绘画的技术。该技术与油画介质本身一样古老。上光通常以一层或多层涂覆在底玻璃上。因为每层玻璃都是透明的，所以底层的颜色会透彻显示，从而有助于绘画的整体外观。这种效应称为光学混合。
与直接绘画方法不同，在直接绘画方法中，油漆层是不透明的，并且光线从最上层的最后一层反射出来。在间接绘画方法中，透明玻璃窗的光可以像在白色釉料，釉下层和硬膜层下一样深地穿透。这提供了独特的外观，而不能通过在调色板或画布上直接混合油漆来实现。
一些油漆比其他油漆更适合于此技术。最好的结果是透明和半透明的油漆。这些通常是深色颜料，因此每一层釉料都会使色调下降。这就是为什么艺术家必须记住，釉面玻璃的色调必须要轻一些。
在要施加下一层玻璃之前，底玻璃以及每个连续的玻璃涂层必须足够干燥。这使得上光技术非常缓慢。一个艺术家可以做数十层玻璃。每个都需要至少三天或更多天或干燥时间。但是，有些涂料介质（如Liquine）可加快干燥时间，第二天使釉层触干。如果一层釉不够干，则可能被下一层洗掉。
当然，在旧大师时代还没有像Liquin这样的现代媒体。他们经常使用标准亚麻籽油作为上光技术的选择媒介。这种介质厚，有光泽和透明-正是上光涂漆方法所需要的。
8.冒犯
塌落是一种光学混合喷涂方法，其中使用干刷技术将油漆稀薄地涂上一层油漆，因此可以通过油漆标记之间的多个缝隙部分看到底层。与上光玻璃不同，在上光玻璃中，光透过透明层反射而发生光学混合，只要不透明或半透明的涂料不能厚厚且不透明地覆盖下面的层，就可以进行打结。上光通常是在较浅的底层上使用较深色的涂料完成的，但当较浅的涂料覆盖较暗的色调时，塌陷效果很好。
涂上疏松层的“秘密”是使用几乎没有油漆的几乎干燥的硬毛刷。与上光玻璃不同，用中度稀释并使用软毛刷效果最好。
9. Velaturas
Velaturas是通过在半透明的乳白色釉层中加工来实现油画中光学混合的另一种方法。可以将其作为单色grisaille完成。可以将Velaturas视为半透明的稀释浅色中的一种，这是一种不同于常规玻璃的上光技术，因为它是用较浅的颜色而不是深色底漆来完成的。Velaturas可用于调整各种绘画区域的颜色和色调。
10.浊度中等
浑浊的介质效果意味着通过浑浊的介质出现不同的色调和颜色。可以看到，通过混浊介质看到的浅色背景将呈现淡黄色，而通过已变亮的混浊介质看到的较暗色调将显示为蓝色。
例如，当白色釉层在深色背景上时，会产生蓝色的雾霾效果。当蓝天在棕褐色或浅棕色底漆上涂上浅蓝色混合油漆时，效果很好。当将浅蓝色的天空涂在温暖的棕色上时，也会放大这种效果。
混浊的中等效果也可以用于绘画人肉。伦勃朗（Rumbrandt）和鲁本斯（Rubens）都利用它的巨大优势，首先是对深色调进行建模，使用棕色（通常是棕褐色），然后在阴影旁边施加较浅的肤色（通常是铅白和少量朱红色和/或黄色石的混合物），在较深色的底漆上铺一层非常薄的油漆。
在范戴克的画中可以看到混浊介质效应的另一种应用。他在果肉的半色调中使用了群青。
11.精益减肥
“胖瘦”是油画的主要规则之一，根据该规则，相较于下面的“稀薄”层，每层连续的油漆都必须包含更多的油（更胖），而下面的“稀薄”层则必须包含较少的油。
古代大师的绘画带有“精益”的底层，例如imprimatura和底漆。为了降低油含量，他们将油漆与酒精或松节油混合。随着工作进展到上层，他们添加了更多的油，减少了混合物中的松节油。
瘦肉层的干燥快于脂肪肉的干燥；因此，如果没有遵守“肥瘦”规则，则干燥速度更快的顶层将导致底层起皱甚至破裂。这也将导致顶层的油掉下来，使涂漆表面变钝和褪色。
对于每层涂料应添加多少油，没有精确的公式。艺术家通常用肉眼观察。媒介的判断来自经验。
12. Pentimenti
Pentimento（复数pentimenti）是绘画中的一种变化。作者通常会进行这种过度喷漆，以纠正绘画过程中的构图，甚至在旧图像上绘制新图像。pentimento一词来自意大利语，意为悔改。
在“老大师”绘画中，由于一些油画随着时间的推移变得越来越透明，从而揭示出原始成分的透彻感，因此可以检测到Pentimenti。或通过X射线或红外照相。
13.涂油
涂油是通过将浓稠的油性介质擦入无光泽的表面，将无光泽或沉没的颜色恢复到原始色调和色相的方法。
当在内部潮湿的情况下触摸干燥的底层上涂漆层时，可能会在绘画表面上出现暗淡的区域。干燥时，顶层会收缩并破坏下面一层的膜。在这种情况下，油介质会下沉，在表面上留下暗淡的斑点。
亚麻籽油可以用一块布，刷子或手揉搓到晦暗的表面，并擦去多余的油。对于蓝色通道，可以使用核桃油，因为它会减少黄色。同样，涂上薄薄的润饰光油也是恢复暗淡区域的好方法。
14. Alla Prima
阿拉（prima）一词来自意大利语，意思是“初次尝试”。当艺术品一次完成或所有油漆层仍湿时，这是一种油画方法。Alla prima方法与传统的多层绘画技术截然不同。这是一种直接的涂漆方法，因为上光不适用于潮湿的表面。
Alla prima的最大优点是速度，因为艺术家不必等待每一层都变干。同样，阿拉玛表面上的绘画只有一层湿层，该层干得很均匀，并且如果不遵循多层绘画的不同规则，则很少出现裂纹。
尽管间接绘画方法是旧大师的“签名技术”，但包括弗兰斯·哈尔斯（Frans Hals），伦勃朗（Rembrandt），迭戈·贝拉克斯克斯（DiegoVelázquez）等在内的一些艺术家使用的阿拉玛表面效果最佳。