艺术时期——艺术史时间表的详细介绍

一种只要我们人类能够使用我们的手，我们就一直在创造艺术。从早期的洞穴壁画到西斯廷教堂的天花板，人类的艺术表达可以告诉我们很多关于创造它的人的生活。要充分了解不同艺术品的文化、社会和历史意义，您需要了解广泛的艺术史时间表。本文概述了艺术创作的许多重要时代及其产生的历史背景。 

 

 

艺术时代：从哪里开始？

只要人类有自我意识，它就一直在创造艺术来表现这个自我。我们所知的最早的洞穴壁画创作于大约 40,000 年前。我们在岩石下和洞穴中发现了旧石器时代人类活动的绘画和素描。我们无法真正了解这些早期人类开始创作艺术的原因。也许绘画和绘画是一种记录他们的生活经历，给年幼的孩子讲故事，或者将智慧代代相传的方式。

这些史前岩画位于中非乍得恩内迪山脉的曼达古埃利洞穴中。骆驼被涂在早期的牛图像上，可能反映了气候变化； 来自加拿大纳奈莫的 David Stanley，CC BY 2.0，来自 Wikimedia Commons

虽然我们有这些早期艺术表现的精美例子，但艺术时期的官方历史只从罗马时代开始。官方艺术时代的时间线不包括石器时代的洞穴壁画、雕塑和其他艺术作品，也不包括公元前 2000 年左右在埃及和克里特岛制作的美丽壁画。这一决定背后的原因是，这些早期的艺术表现时代被限制在一个相对较小的地理空间内。相比之下，我们今天要讨论的官方艺术时代跨越了许多国家，通常是整个欧洲，有时是北美和南美。

尽管缺乏官方认可，但这些人类艺术天赋的最早例子引发了许多有趣的问题。为什么岩画中所描绘的动物比后世所描绘的动物更加逼真生动？

本文希望在我们探索不同艺术时期的复杂性时，让您对人类创造性思维不断变化的艺术风格有所了解。

 

 

艺术时期时间表的简要概述

与人类历史的许多领域一样，不可能精确地描绘不同的艺术时期。下面括号中的日期是根据几个国家的每次运动的进展情况得出的近似值。许多艺术时期有相当大的重叠，一些更近的​​时代同时发生。有些时代持续了几千年，而有些则跨越不到十年。艺术是一个不断探索的过程，在这个过程中，更近的时期从现有的时期发展而来。

艺术时期	年
罗马式	100 – 1150
哥特	1140 – 1600
再生	1495 – 1527
矫饰	1520 – 1600
巴洛克	1600 – 1725
洛可可	1720 – 1760
新古典主义	1770 – 1840
浪漫主义	1800 – 1850
现实主义	1840 年 – 1870 年
拉斐尔前派	1848 年 – 1854 年
印象派	1870 – 1900
自然主义	1880 – 1900
后印象派	1880 年 – 1920 年
象征主义	1880 年 – 1910 年
表现主义	1890 年 – 1939 年
新艺术运动	1895 年 – 1915 年
立体主义	1905 年 – 1939 年
未来主义	1909 年 – 1918 年
达达主义	1912 年 – 1923 年
新的客观性	1918 年 – 1933 年
精准主义	1920 年 – 1950 年
艺术装饰	1920 年 – 1935 年
包豪斯	1920 – 1925
超现实主义	1924 年 – 1945 年
摘要 表现主义	1945 年 – 1960 年
波普艺术/欧普艺术	1956 年 – 1969 年
贫穷艺术	1960 年 – 1969 年
极简主义	1960 年 – 1975 年
写实主义	1968 年 – 现在
当代艺术	1978 年 – 现在

我们对艺术时期时间线的描述在 30 年前就结束了，这似乎很奇怪。艺术时代的概念似乎不足以捕捉自 21 世纪之交以来出现的各种艺术风格。一些艺术史学家有一种感觉，传统的绘画观念在我们快节奏生活的时代已经消亡。我们不采取这种立场。相反，我们继续通过艺术媒介分享我们独特的人类经历，就像洞穴人所做的那样，在我们现代分类系统之外。

Max Liebermann 的Biergarten（约 1915 年）； Max Liebermann，公共领域，来自维基共享资源

 

 

综合艺术运动时间表

现在是深入了解我们上面介绍的每个不同艺术时代的社会、文化和历史背景的时候了。你会看到有多少时代受到了他们之前的影响。艺术，就像人类的意识一样，是不断进化的。同样重要的是要注意，这个艺术时间线是西方和主要是欧洲艺术的历史。

 

罗马时期（1000-1300）：通过艺术分享信息

艺术史学家通常认为罗马式艺术时代是艺术史时间表的开始。罗马式艺术在基督教兴起期间发展起来。公元 1000 年。在此期间，只有一小部分欧洲人口识字。基督教会的牧师通常是这个少数群体的一部分，为了传播圣经的信息，他们需要另一种方法。

基督教的物品、故事、神灵、圣人和仪式是大多数罗马式绘画的专属主题。为了向大众传授基督教会的价值观和信仰，罗马式绘画必须简单易读。

因此，罗马式艺术作品很简单，具有大胆的轮廓和干净的色彩区域。罗马式绘画缺乏透视深度，意象很少是自然场景。罗马式绘画可以采用几种不同的形式，包括壁画、马赛克、面板画和书画。

由于罗马式绘画背后的基督教目的，它们几乎总是象征性的。画中人物的相对重要性由大小表示，越重要的人物显得越大。可以看到，人脸往往是扭曲的，这些画中描绘的故事往往具有很高的情感价值。罗马式绘画通常包括龙和天使等神话生物，几乎总是出现在教堂中。

在最基本的层面上，罗马时期的绘画服务于传播圣经和基督教的目的。这个艺术时代的名字源于罗马建筑中使用的圆形拱门，经常在当时的教堂中找到。

来自 Avià 的祭坛正面，c。1200；加泰罗尼亚国家艺术博物馆，公共领域，来自维基共享资源 

 

哥特时代（1100-1500）：自由与恐惧并存

作为最著名的时代之一，哥特式艺术起源于法国的罗马式时期，是该时代两种截然不同的情感的表达。一方面，人们正在体验和庆祝思想自由和宗教理解的新水平。另一方面，也有一种世界即将终结的恐惧。您可以清楚地看到这两种对比张力在哥特时期艺术中的表现。

就像在罗马时期一样，基督教是哥特时代紧张局势的核心。随着更多思想自由的出现，许多人反对从众，绘画的主题变得更加多样化。教会的据点开始消散。

哥特式绘画描绘了真实的人类生活场景，例如在田间工作和狩猎。焦点从神圣的存在和神秘的生物身上移开，因为更多的注意力集中在作为人类意味着什么的复杂性上。

在哥特时期，人物形象受到了更多的关注。哥特式艺术家变得更加个性化，减少二维，减少无生命力，从而充实了更逼真的人脸。三维视角的发展被认为促进了这种变化。画家们也更关注具有个人价值的东西，比如衣服，他们用漂亮的褶皱写实。

Duccio di Buoninsegna的《拉撒路的 兴起》（1310-1311）； Duccio di Buoninsegna，公共领域，来自维基共享资源

许多历史学家认为，哥特时代艺术主题变得更加多样化的部分原因是教堂内绘画的表面积增加了。哥特式教堂比罗马时期的教堂更宽敞，这被认为代表了此时自由感的增强。

除了新获得的艺术表达自由之外，人们还深切担心世界末日即将来临。有人认为，这伴随着对教会信仰的逐渐衰退，而这反过来可能刺激了教会外艺术的扩张。事实上，在哥特时代末期，Hieronymus von Bosch、Breughel 等人的作品并不适合放置在教堂内。

我们不知道有多少在罗马时期绘画的艺术家，因为艺术不在于是谁画的，而是它所传达的信息。因此，从哥特时期的知名艺术家（包括乔托·迪·邦多内）的大量增加中也可以看出远离教堂的举动。艺术流派开始在法国、意大利、德国、荷兰和欧洲其他地区兴起。

 

文艺复兴时期（1420-1520）：一个从未真正存在的艺术时代的觉醒

文艺复兴时期可能是最著名的时期之一，以米开朗基罗和列奥纳多·达·芬奇等艺术家为特色。这个时代继续以个人为灵感，并受到古罗马人和希腊人的艺术和哲学的影响。文艺复兴可以被视为文化的重生。

这种文化重生的一部分是重新关注人类生活的自然和现实世界。三维视角对文艺复兴时期的艺术变得更加重要，米开朗基罗的大卫雕像恰如其分地展示了这一点 。 这座雕像让人回想起古希腊人的作品，因为它是有意识地从各个角度都可以看到的。上两个时代的雕像是二维的，只能从正面观看。

米开朗基罗的大卫（1501-1504）；Livioandronico2013，CC BY-SA 4.0，来自维基共享资源 

同样的三维视角也延续到了文艺复兴时期的绘画中。大约 3000 年前发明的壁画被文艺复兴时期的画家赋予了新的生命。场景变得更加复杂，人类的表现变得更加微妙。文艺复兴时期的艺术家在三个维度上绘制人体和面部，非常强调现实主义。文艺复兴时期使用的油漆也代表了从蛋彩画颜料到油画颜料的转变。文艺复兴时期通常被认为是伟大的荷兰风景画的开端。

 

矫饰主义（1520-1600）：通往媚俗未来的窗口

当然，这个标题部分是在开玩笑。并非这个时代产生的所有艺术都是我们今天所理解的“媚俗”。我们今天理解的媚俗通常是人造的、廉价的、没有太多“经典”味道的。相反，我们将这个时期的艺术描述为媚俗的原因是由于它的特征相对过度夸大。源于文艺复兴时期人类表达自由的新发现，艺术家们开始探索自己独特的、个性化的艺术风格或方式。

事实上，米开朗基罗本人并没有摆脱区分这个时代的夸张。一些艺术史学家不认为他后期的一些画作是文艺复兴时期的作品。在风格主义的绘画中，感情和人类手势的表达，甚至是衣服，都被故意夸大了。

以文艺复兴风格为特征的人体小 S 曲线转变为身体的不自然弯曲。这是第一个将欧洲各地的艺术家吸引到其发源地意大利的欧洲风格。

Parmigianino 的长颈圣母(1534-1540) ； Parmigianino，公共领域，通过维基共享资源

 

巴洛克时代（1590-1760）：权力的荣耀和眼睛的欺骗

庆祝人类生命超越神圣力量的艺术发展一直持续到巴洛克时代。国王、王子甚至教皇开始更愿意通过艺术来庆祝自己的权力和声望，而不是上帝的权力和声望。对矫饰主义的过度夸大也一直延续到巴洛克时期，绘画的场景变得越来越不真实和壮观。

巴洛克绘画经常表现出国王升天，与天使交融，越来越接近上帝的神性和力量的场景。在这里，我们真的可以看到人类自我重要性的进展，尽管主题并没有完全脱离宗教象征，但人越来越成为作品中的中心力量。

黄金和大理石等荣耀财富和地位的新材料成为雕塑的珍贵材料。明暗的对立、暖色和冷色以及善恶的象征被强调超越自然发生的事物。随着艺术成为展示你的财富、权力和地位的一种方式，艺术学院的数量增加了。

斯洛文尼亚卢布尔雅那大教堂巴洛克式天花板壁画。意大利大师 Giulio Quaglio 在 1703-1706 年和后来的 1721-1723 年的作品； Petar Milošević，CC BY-SA 4.0，来自维基共享资源

 

洛可可艺术时期（1725-1780）：轻盈通风，法国风情

洛可可时代的画作是当时法国贵族的典型代表。这个名字源于法语单词rocaille，意思是“贝壳”。以巴洛克时期为特征的固体形式软化为光、空气和欲望。这个时代的绘画不再是强大和有力，而是轻盈和俏皮。

颜色更亮更亮，在某些情况下几乎是透明的。这一时期的许多艺术作品都忽视了宗教主题，尽管像提埃波罗这样的一些艺术家确实在许多教堂创作了壁画。

就像当时法国贵族的态度一样，洛可可时期的艺术完全脱离了社会现实。牧羊人的田园诗成为这一时期的主题，代表着生活的轻松自在，不受经济或社会困苦的束缚。

 

古典主义（1770-1840）：回归古典时代

古典主义与洛可可时代一样，始于 1770 年左右的法国。然而，与洛可可时代相比，古典主义又回到了更早、更严肃的艺术表达风格。就像文艺复兴时期一样，Classisim 从古典罗马和希腊艺术中汲取灵感。

古典主义时代创造的艺术回归到严格的形式、二维色彩和人物形象。这些画的基调无疑是严厉的。颜色失去了象征意义。这个时代产生的艺术在国际上被用来向每个国家的人民灌输爱国主义情怀。古典主义的部分包括 Louis-Sieze、Empire 和 Biedermeier。

威廉·布格罗的《童年田园诗》（1900 年）； 威廉·阿道夫·布格罗，公共领域，来自维基共享资源

 

浪漫主义（1790-1850）：打破一切的严肃性

从日期可以看出，这个艺术时代与古典主义几乎同时发生。浪漫主义通常被视为对古典主义严酷本质的情绪化反应。与古典主义时代严谨而写实的本质相比，浪漫主义时代的绘画更加感伤。

对无形的探索；情绪和潜意识占据了中心位置。大约在这个时候，人们开始徒步旅行，试图探索自然世界。然而，他们想要发现的并不是自然世界的真实现实，而是它带给他们的感觉。

浪漫主义时期的艺术没有具体的或精确确定的风格。英国和法国画家倾向于关注阴影和灯光的效果，而德国画家创作的艺术倾向于对他们有更多的思考。浪漫主义画家经常因为他们对周围世界的解释而受到批评甚至嘲笑。

 

现实主义（1850-1925）：客观性高于主观性

正如浪漫主义时代是对之前古典主义时期的反动运动，现实主义也是对浪漫主义的反动。与浪漫主义绘画美丽而深沉的情感内容相比，现实主义艺术家同时呈现了善与美，丑与恶。现实主义画家以一种未经修饰的方式呈现世界的现实。

这些艺术家试图展示世界、人物、自然和动物的真实面貌。正如古斯塔夫·库尔贝 (Gustave Courbet) 所说，重点是“将艺术转化为真理的义务”。

就像浪漫主义一样，现实主义并不是每个人都喜欢。这些画并不是特别赏心悦目，一些评论家评论说，尽管艺术家声称是现实主义的，但色情场景不知何故错过了真正的色情。歌德批评现实主义，说艺术应该是理想的，而不是现实的。席勒也称现实主义为“刻薄”，表明许多画作描绘的严酷。

蒲鲁东和他的孩子们 （1865 年），古斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet）；古斯塔夫库尔贝，公共领域，通过维基共享资源 

 

印象派（1850-1895）：预示现代艺术时代

历史学家经常将印象派运动描绘为现代时代的开始。据说印象派艺术已经结束了关于古典音乐和其他古典艺术形式的书。印象派也许也是继立体派之后最容易辨认的艺术时期之一。印象派以克劳德·莫奈 (Claude Monet) 和文森特·梵高 (Vincent van Gough) 等艺术家为特色，摆脱了之前许多艺术时期所具有的平滑笔触和纯色区域。

最初，印象派这个词在艺术界就像一个脏话，评论家认为这些艺术家不是用技术绘画，而是简单地将颜料涂抹在画布上。这些笔触确实与之前的笔触大相径庭，有时变得狂野起来。不同的形状和线条消失在色彩的旋风中。将全新颜色的单个点放在一起，特别是在印象派绘画的点彩派中。印象派绘画的主题通常只能从远处识别。

克劳德·莫奈的《塞纳河畔维特伊尔》 （1880 年）； 克劳德·莫奈，公共领域，来自维基共享资源

印象派时代发生的一个重大变化是绘画开始在“en-plein-air”或室外进行。印象派艺术家捕捉自然世界复杂且不断变化的色彩的大部分能力都是这种转变的结果。

印象派艺术家也开始摆脱讲课和教学的欲望，更喜欢为艺术而创作。画廊和国际展览变得越来越重要。

 

象征主义（1890-1920）：总比眼睛看到的要多

在此期间，象征主义时代开始在法国扎根。艺术家们开始专注于通过物体表达情感和思想。象征主义运动最喜欢的主题是死亡、疾病、罪恶和激情。形式大多清晰，艺术史学家认为这一事实预示着新艺术运动时代的到来。

 

新艺术运动（1890-1910）：古斯塔夫·克里姆特的纯金

尽管古斯塔夫·克里姆特绝不是新艺术运动中最重要的艺术家，但他是最知名的艺术家之一。他的风格以柔和的曲线、大量的花卉和人物的风格特征完美地概括了新艺术运动。在许多国家，这种风格被称为分离派风格。

古斯塔夫·克里姆特的《吻》（1907-1908）； 古斯塔夫·克里姆特，公共领域，来自维基共享资源

新艺术运动时期产生的艺术包括很多对称性，具有俏皮和年轻的特点。新艺术运动有很多政治内容，尽管许多评论家忽略了这一点，并反对它的装饰方面。通过新艺术运动时期的艺术，艺术家们试图将自然带回工业城市。

 

表现主义（1890-1914）：为辩论带来政治优势

在表现主义艺术时代，我们再次看到表达主观感受的重要性的回潮。这场运动中的艺术家对自然主义或外部事物不感兴趣。因此，在一些表现主义画作中带有一定的侵略性，这些画作通常是古老的，略带狂野。

表现主义起源于德国，旨在对比印象派。在第一次世界大战开始时，表现主义绘画有一种令人不安的强度。表现主义旨在批判权力和社会秩序，通过绘画媒介传播这些政治思想。艺术开始变得政治化。

 

立体主义（1906-1914）：将事物分开并重新组合在一起

从两位艺术家 Pablo Picasso 和 Georges Braque 开始，立体主义运动都是关于碎片化、几何形状和多重视角的。日常物品的维度平面被分解成不同的几何部分，并以一种同时从多个侧面呈现物体的方式重新组合在一起。

立体主义拒绝了西方传统绘画的所有规则，并对随之而来的艺术风格产生了强烈影响。

胡安·格里斯的《吉他和眼镜》（1912 年）； Juan Gris，公共领域，来自维基共享资源

 

未来主义（1909-1945）：艺术无政府主义

未来主义与其说是一种艺术风格，不如说是一种受艺术启发的政治运动。由托马索·马里内蒂 (Tommaso Marinetti)拒绝社会组织和基督教道德的未来主义 宣言创立 ，未来主义时代充满了混乱、敌意、侵略和愤怒。尽管马里内蒂本人不是画家，但绘画成为未来主义运动中最突出的艺术形式。

这些艺术家强烈反对古典绘画的规则，认为代代相传的一切（信仰、传统、宗教）都是可疑和危险的。未来主义运动的好战性质导致许多人认为它太接近法西斯主义了。

 

达达主义（1912-1920）：生活是无稽之谈的真实现实

达达意味着很多东西，但什么也没有。作家雨果·鲍尔发现这个小词在不同的语言中有几种不同的含义，同时，作为一个词，它根本没有任何意义。达达主义运动基于不合逻辑和挑衅的概念，不仅被视为艺术运动，而且被视为反战运动。

达达主义运动质疑现有规则、规范、传统和价值观的不合逻辑。艺术运动涵盖了多种艺术形式，包括写作、诗歌、舞蹈和表演艺术。运动的一部分是质疑什么可以归类为“艺术”。

达达主义代表了行动艺术的开端，在这种艺术中，绘画不仅仅是对现实的描绘，而是人类社会、文化和主观部分的融合。

 

超现实主义（1920-1930）：事情变得更加离奇

仿佛达达主义 运动纯粹的不合逻辑的性质还不够古怪，超现实主义者将梦幻世界视为所有真理的源泉。其中最有名的超现实主义艺术家是萨尔瓦多·达利，和你一定知道他的画熔关注（1954年）。

超现实主义从根本上讲是一种精神分析，许多超现实主义艺术家会直接从他们的梦想中作画。有时处理不舒服的概念、隐藏的欲望和禁忌，超现实主义是对资产阶级根深蒂固的思想和信仰的直接批判。可以想象，这种艺术风格在刚开始时并不流行，但它对现代艺术世界产生了很大的影响。

意大利画家威廉·吉罗梅蒂的《空间和时间（向 LV 贝多芬致敬）》（1974 年）； 威廉·吉罗梅蒂，CC BY-SA 3.0，来自维基共享资源

 

新客观性（1925-1965）：冷酷和技术

当超现实主义者试图摆脱物理、具体和可见物体的世界时，新客观性运动转向了这些想法。新客观艺术中的许多主题都是社会批判。战争的动荡让很多人都在寻找某种秩序来维持，这在新客观性的艺术中可以清楚地看到。

新客观性中呈现的图像通常是冷酷的、没有感情的和技术性的，其中一些最喜欢的主题是收音机和灯泡。与许多现代艺术运动一样，新客观性运动有几个不同的分支。

 

抽象表现主义（1948-1962）：远离欧洲

抽象表现主义据说是第一个起源于欧洲以外的艺术运动。来自北美的抽象表现主义专注于色域绘画和动作绘画。不再使用画布和画笔，而是将一桶桶油漆倒在地上，艺术家们用他们的手指来创作图像。

与马克·托比和杰克逊·波洛克等知名艺术家一起，这场艺术运动与之前的任何艺术运动都截然不同。油漆的应用有时很厚，以至于成品会呈现出不同于之前任何绘画的形式。抽象表现主义遍布欧洲。与所有艺术一样，总是有批评者，冷战期间保守的美国人称其为“非美国人”。

 

波普艺术（1955-1969）：艺术就是一切

对于波普艺术的艺术家来说，世界上的一切都是艺术。从广告、锡罐、牙膏到厕所， 一切 都是艺术。波普艺术在美国和英国同时发展，其特点是统一的色块和清晰的线条和轮廓。绘画和平面艺术受到写实主义和连载印刷品的影响。最著名的英国流行艺术家之一是大卫霍克尼，尽管他一生中只有少数画作参与了这一运动。

罗伊·利希滕斯坦 (Roy Lichtenstein) 的墙壁爆炸 II 的细节，1965 年；Colin McLaughlin，CC BY-SA 4.0，来自维基共享资源 

 

新表现主义（1980-1989）：现代艺术

从 1980 年代开始，新表现主义随着大幅面的具象和肯定生命的绘画而出现。柏林是这一新运动的中心，其设计通常以城市和大城市生活为特色。新表现主义这个名字来自野兽派，虽然柏林的艺术家于 1989 年解散，但一些艺术家在纽约继续以这种风格作画。

 

艺术是人类意义的基本组成部分。我们所经历的许多烦恼和快乐，只有通过艺术表达才能准确捕捉。我们希望这个艺术时期时间线的简短总结能够帮助您更深入地了解人类创造的一些最著名的艺术作品的背景。